Daud 11: El progreso retrograda

En el film Space Oddissey 2001, de Stanley Kubrick, el director nos narra el surgimiento de la humanidad. En la estampa titulada, El amanecer del hombre, se muestra como la noche da paso al amanecer entre las formaciones rocosas en medio de una planicie desértica. Entre las áridas formaciones rocosas, dos criaturas diferentes cohabitan sin hostilidades en el mismo espacio. Las criaturas son primates velludos pelinegros similares a gorilas y un cerdo color cobrizo. Ambos son propensos al ataque de los depredadores que se encuentran merodeando el área. El abrigo de las rocas y la única fuente de agua es lo que mantiene a ese grupo de primates en aquel lugar. Un recurso que protegen a fuerza de alaridos y gestos intimidantes de otros miembros de su misma especie. En el amanecer del próximo día, aparece de la nada entre ellos la figura ominosa y monumental de un monolito cuadrado de terminaciones impecables. El resultado de tal encuentro místico es la manifestación del ingenio humano a través de la realización de su fuerza coercitiva. Esta realización de su fuerza a través de la herramienta le otorga el poder de imponer su voluntad ante la adversidad, biológica, geográfica y social. Impulso progresista que le lleva a alcanzar su evolución como ser humano y el dominio del espacio.
En cada momento de la existencia terrestre, toda forma de vida está sometida a la fuerza de la ley natural. Esta fuerza impulsa a los organismos a buscar, a través del artificio o agresión, garantizar la perpetuación de su existencia. Con el pasar de los años, cada criatura ha desarrollado su particular forma de artificio y agresión que le garantiza su perpetuación. El olor y la forma de las flores es un artificio que llama a los diversos insectos que garantizan la polinización. Mientras los depredadores tienen armas naturales para agredir y dar muerte a su presa, y así, ganarse su subsistencia. No obstante, el panorama se hace complicado cuando los recursos para la subsistencia son limitados. Sin mencionar la dificultad que factores geográficos, climáticos, etc., pudiesen aportar a este sistema. Por ello, los organismos se ven en la necesidad de utilizar la fuerza, para competir contra sus congéneres por esos recursos. El ser humano no está exento de la sujeción a esa máxima coercitiva de la ley natural. De igual forma, éste ha tenido y tiene que utilizar la fuerza, a través de sus capacidades, para garantizar y defender su subsistencia.
El ser humano, a través de su capacidad reflexiva y congregación, desarrolló los instrumentos sociopolíticos y tecnológicos para subsistir de manera efectiva. Hasta el punto de llegar a substraerse de la cadena alimenticia por medio del desarrollo de su cultura y civilización. El avance de la civilización de diversos grupos llevó a la configuración sociopolítica y económica contemporánea del Estado. En principio, la función de este “organismo” es otorgar estructura, orden, seguridad y permutabilidad al grupo que lo compone. Lo que permite que los individuos puedan experimentar una aparente estabilidad dentro del ‘caos’ del mundo salvaje. Sin embargo, la finitud, escases de los recursos e intereses humanos han causado siempre la interacción entre las diversas entidades sociopolíticas de los grupos. Y a partir de sus diferencias insalvables y el impulso natural de subsistencia surge la contienda que llamamos guerra. La guerra, obligados a una definición, es la utilización violenta de la fuerza y capacidad de un grupo comunitario sobre otro por alcanzar un objetivo. A pesar de esto, la guerra siempre ha tenido una connotación repudiable por la destrucción asociada a su ejercicio y el dolor que ocasiona la muerte. Especialmente, cuando el ejercicio de la guerra se convierte en una práctica inescrupulosa y sanguinaria.
El ‘organismo’ del Estado ha contribuido, según las capacidades y límites de su contexto histórico, a la concepción artificial de que en la guerra todo es válido. La guerra se representa como un estado de situación crítico con necesidades particulares. El ejercicio bélico requiere que los protagonistas de la contienda hagan lo impensable por alcanzar el éxito para frenar la amenaza. Por ello, la barbarie y cinismo del asesino se descriminalizan. De esta manera, pretenden, rápida y definitivamente, poner fin a la ansiedad, temores y límites que el otro grupo representa según argumentos del Estado. A través del desarrollo intelectual de principios teológicos, filosóficos, propagandistas entre otros, el Estado ha legitimado este pensamiento como estrategia y necesidad militar. En el aspecto teórico pensadores como Hobbes, Kant y Clausewitz son clásicos indispensables para llegar a esta concepción. Seguir esta línea de pensamiento, ha seducido al individuo, a la aceptación de la muerte, carencia o abusos en aras de proteger la integridad nacional. Según aseveran: “La libertad no es gratuita”. Finalizada ya la contienda estos parámetros de muerte y privación definirán los criterios para identificar aquellos que representan el espíritu patriótico del héroe local. Igualmente, la reflexión posterior al conflicto, evaluará y juzgará por medio de la razón, moral y justicia el desempeño en el campo de batalla. Ese momento retrospectivo lleva a los grupos a la toma de consciencia sobre la inmoralidad y atrocidad de la agresión bélica.
La guerra según se muestra es imparable. El pensamiento y carga emotiva que otorga energía a la maquinaria bélica del Estado aparenta ser parte de nuestra naturaleza humana. Al parecer es reflejo de la misma agresión que existe en las leyes de la naturaleza. Sustentado por una tendencia sociocultural al repudio, marginalización y/o exclusión de las diferencias internas y externas. Sin embargo, ninguno de estos puntos sirve de justificación para un retroceso de nuestros principios éticos y compasivos. De hecho el mismo reino de lo salvaje se muestra piadoso en comparación a los crímenes y sadismos de la guerra. Por ello, la reflexión ética de la sociedad internacional ha establecido un cuerpo de reglas que puedan establecer límites al conflicto bélico. Estas reglas se fundamentan en los mismos principios éticos y legales impuestos por el Estado para mantener el orden entre su sociedad civil. Su implementación exige la puesta en práctica de la disciplina, educación de ética y obligaciones de los participantes. Esas son las pautas a las que nos expone Michael Walzer en su libro Guerras Justas e Injustas. La guerra entonces es vista como un crimen por agresión punible por la sociedad internacional. Su única justificación recae bajo la defensa personal o auxilio a otros que se encuentren bajo opresión. Mientras que su fiscalización, aunque a posteriori, sirve para evitar que el desenfreno de la lucha y el derramamiento de sangre se conviertan en la norma. Aspecto que redunda en la protección de los no combatientes de los estragos de la guerra de manera justa y no condescendiente. Paradójicamente, para garantizar la permanencia de ese cuerpo de ley, los Estados interaccionan en una relación de respeto, confianza y regulación de su fuerza bélica, a través de su representación e imposición como potencia. Sin embargo, la clave primordial para este proceso es el desarrollo e intensidad de un código ético y moral crítico del ejercicio del poder estatal.
El filme de Kubrick, como símbolo iconotextual, tiene un llamado y una significancia particular en cada espectador. Así es como percibo en su narrativa esa correlación que existe entre conceptos opuestos de la existencia a la que nos exponen los teóricos de la guerra cuando buscan legitimar su ejercicio. En su narración se capta como la perpetuación de la vida requiere del ejercicio de la fuerza que lleva a la muerte. Como el proceso de civilización y desarrollo tecnológico nos lleva a un retroceso feroz de barbarie a través de la guerra. Que el significativo proceso de autodeterminación depende de un distanciamiento de los otros. Mientras que la justicia debe hacerse valer a través de la autogestión y presión contra el organismo estatal creado para protegernos. Ya que, al parecer, para garantizar la verdad hay que mentir y hacernos vivir el artificio patriótico. Esta antípoda existencial es mi revelación particular del monolito de Kubrick. Y aquel que logra conciliarse con ambas fuerzas inminentes en la existencia por medio de la disciplina y la razón podrá engendrar la visión de un universo nuevo.

Daud 10 - ¿Por qué el mundo necesita a Superman?

En las escenas finales de la película Superman Returns, la reportera Louis Lane nos hace indirectamente una pregunta: ¿Por qué el mundo necesita a Superman? Esa misma pregunta nos surgió a varias personas cuando repentinamente el cine comenzó a pasar de una película de superhéroes a otra. El impulso por buscar la respuesta se consumó cuando comencé a considerar alguna conexión con el contexto de guerra internacional. Especialmente cuando recordé que los héroes fueron una influencia importante durante la Segunda Guerra Mundial. En resumen, mi investigación me llevó a la siguiente contestación. El héroe es necesario para nuestra sique como una herramienta que regenera los ímpetus de la continuidad de la vida. En el ejemplo de sus acciones y dichos le otorga paz, esperanza y guía al ser humano. La exposición a sus figuras incitan a la manifestación de la creatividad, autogestión y laboriosidad humana. Debido a ese potencial capaz de definir al individuo los grupos han utilizado su fórmula narrativa para adoctrinar y legitimar la existencia de unas élites. Durante la Guerra contra el terrorismo (2001 – 2008) el gobierno del Presidente G. W. Bush buscó a través de los incidentes fomentar un cambio cultural. Este cambio cultural sería una nueva ética bajo el eslogan “Let’s Roll”. Dicha expresión, según aseveraciones, fue el ‘grito de guerra’ de aquellos pasajeros del Vuelo 93, que luego de despedirse telefónicamente y encomendarse a Dios en una plegaria, se lanzaron contra sus raptores. “Let’s Roll” recogía para G. W. Bush el verdadero espíritu heroico de los padres de la nación. El nuevo eslogan era el llamado a el individuo ciudadano norteamericano a que lograra la trascendencia de sus intereses por alcanzar algo mayor que sí mismos – el gran ideal. El cuerpo uniformado de servidores públicos de la policía, bomberos, seguridad nacional y fuerzas armadas fueron expuestos como las figuras heroicas en acción. Por otro lado, se hacía un llamado a la pasividad patriota del pueblo por medio de la manifestación de virtud, calma y aceptación de los sacrificios del estado militarizado. La industria cinematográfica hollywoodense aparentemente contribuyó a esta visión del estado saturando las salas de cines con los superhéroes nacidos durante la Segunda Guerra Mundial. Por medio de la seducción del público incitaban a los diversos niveles de la sociedad a asumir su responsabilidad según el rol establecido por la jerarquía de clases. Sin embargo, para evitar la enajenación y complacencia del medio se hizo hincapié en que los superhéroes y los héroes del momento no perdurarían por siempre. Y que cada uno de nosotros debía estar preparado para asumir dicho compromiso por defender la libertad de llegar a ser necesario.

Referencias:
Campbell, J. (1980). El héroe de las mil caras. México: Fondo de cultura económica.
Daniels, L. (1993). Five Fabulous Decades of the World’s Greatest Comics. New York: Harry N.
Abrams, Inc.
Jung, C. (1968). Man and His Symbols. New York: Dell Publishing.
Bettelheim, B. (1977 ). Psicoanalisis de los cuentos de hadas. Barcelona: Editorial Crítica.
Lypovetsky, G. (2002). La era del vacío. Barcelona: Editorial Anagrama.
Lyotard, J. F. (1987). La Condición Posmoderna. Madrid: Ediciones Cátedra S. A
Izod, J. (2001). "Myth, Mind and the Screen: Understanding the Heroes of our Time. New York:
Izod, J. (2006). Screen, Culture, Psyche: A Post-Jungian Approach to Working with the Audience
Noonan, P. (2003). “We Will Prevail”: President George W. Bush on War, Terrorism and Freedom.
New York: The Continuum International Publishing Group.
Althusser, L. (1974). Ideología y aparatos ideológicos de Estado. Buenos Aires: Ediciones Nueva Visión.
Wright Mills, C. (2000). Power Elite. New York: Oxford University Press.

Daud 9 - La Nina Flowers en el Rupaul's Drag Race.

El martes 10 de febrero entré a ver el “show” de Rupaul porque me enteré de la participación de Nina Flowers. Nina en el mundo del "Ambiente" (Gay) es una de las más reconocidas 'Dragas' ("drag queens") de Puerto Rico. Y creo que hasta cierto punto ir a ver a Nina Flowers es un rito de iniciación al mundo gay puertorriqueño del Area Metro. Desde que mi grupo de 'jangueo' por esos 'lares' se desbandó años atrás, no había tenido la oportunidad de volver a ver a 'la Flowers'. Sin embargo, el reencuentro fue una oleada de recuerdos, alegría y emoción por saber que otros estaban apreciando el fenómeno que es Nina para el Ambiente.
Mi impresión del "show" es que será bien interesante porque exige mucho más creativad y desenvolvimiento que sus precursores. El "Rupaul Drag Race" es como una mezcla entre el "Proyect Runaway" y el "American Next Topmodel". O sea que en el mismo espacio de tiempo limitado del concurso tienes que ser diseñador, costurero y modelo. Si alguien pensaba que ser 'Draga' es un mamey se equivocó. Incluso la primera prueba del concurso me pareció una analogía a lo difícil que son los inicios de una 'draga'. Una batalla complicada compuesta por luchas mentales, sociales, económicas y síquicas que vagamente se expresan en películas como "To wong foo" o "Priscilla Queen of the Desert". Pero eso no significó dificultad alguna para Nina Flowers, que sin mucha exposición de la cámara, nos sorprendió saliendo triunfadora.
La participación de Nina en la primera prueba fue buena, aunque no tuvo mucha exposición de cámara. Falta de exposición que entiendo se debe al idioma. En verdad me parece que Nina tiene muchas oportunidades de ganar o salir entre las finalistas. Primordialmente, porque Nina Flowers tiene mucha experiencia y madurez como artista. Al verla uno puede leer y sentir toda una propuesta que trasciende el hecho de vestirse de mujer. Ella sabe lo que quiere y como conseguirlo aunque sea con chatarra. Sin embargo, tanta definición estilística es peligrosa para un artista porque crea rigidez y resistencia al cambio. Por otro lado, me sorprendió muchísimo su definición de imagen como ‘draga’. A diferencia de las demás competidoras que describían su imagen de ‘draga’ como un ego-alterno, Nina Flowers fue sintética y sencilla: “soy andrógino”. Esta manera de pensar reafirma que el travestismo no es querer ser mujer ni hombre en su contraparte femenina; mucho menos es necesario adoptar un rol de género o personalidad. Esta por verse si Rupaul puede entender esas definiciones, mayor aún, lidiar con la propuesta punk ‘ochentosa’ de la diva puertorriqueña.

Daud 8 - Las Artes Marciales y la Paz: Reflexión a partir de la lectura de Karate Dojo.

En el antiguo oriente las artes marciales eran conocidas como “las artes de la paz”. La raíz en chino para el símbolo de la palabra ‘marcial’ está conformada por los términos ‘parar’ y ‘pelear’; o sea “parar de pelear”. En aquel entonces el dominio de las artes marciales conllevaba un esfuerzo que repercutía en el mejoramiento de la condición de vida del individuo. Esta mejor condición de vida se lograba a través del desarrollo de los aspectos predominantes del ser humano: su cuerpo, mente y espíritu. A través de la práctica del arte marcial la persona se veía inmersa en un proceso cuyo objetivo era que desarrollara los principios de honestidad, coraje, valentía, seguridad, persistencia y autodominio. En el Japón este proceso de aprendizaje del arte marcial se le llamaba “budo”. El “budo” o camino convertía al individuo en un guerrero persistente y valiente, pero de una sensibilidad y percepción profunda. Por eso antiguamente, fueron monjes y sabios dedicados a la búsqueda espiritual los que mayormente poseyeron y desarrollaron estos conocimientos.

En el arte marcial el cuerpo humano es visto como el instrumento con el cual se puede alcanzar una interioridad que nos pone en conexión con esa energía universal de la creación. Esa energía, conocida como “chi” por los chinos, es la que garantiza que el ciclo de vida al verse amenazado continué su curso. Ejemplo de esto es el impulso y fuerza que ofrece la adrenalina a los seres humanos en momentos en que su vida se encuentra en peligro. En cada aspecto del entrenamiento el estudiante se enfrentaba ante un cuestionamiento de su vida. Las actitudes, decisiones y reacciones del practicante servían como metáfora de su comportamiento en la sociedad. Por ello, a mayor desarrollo y dominio de las técnicas el estudiante alcanzaba a dominar aquellos aspectos limitantes de su vida. El ejercicio duro y constante enseñaba al practicante a alcanzar su seguridad e independencia. El énfasis en el protocolo tradicional y la disciplina lograban crear paciencia y humildad. Los movimientos dentro de las katas le otorgaban la oportunidad para el desarrollo del enfoque, meditación y percepción. De manera similar al estilo de yoga conocido como “hatha” que en posturas, respiración y meditación busca la purificación del cuerpo. El cenit del artista marcial constaba de alcanzar un balance de los dos aspectos energéticos que conforman el “chi” conocidos como “yin-yang”. Lo que implica que el individuo alcanzaba la mesura, madurez y sensibilidad del arte dentro del “yin”; mientras desarrolla la energía, fortaleza y explosividad que se encuentra en el “yang”.

Peter Urban en su libro, The Karate Dojo: Traditions and Tales of a Martial Art, busca hacer disponible esta esencia de búsqueda espiritual del arte marcial al practicante occidental. El concluye que la aplicación de estos principios y desarrollo físico del karate significarían una mejora para la aplicación de la ley, orden y ética en la sociedad. Sus palabras nos recuerdan que el artista marcial tiene como responsabilidad de su práctica convertirse en modelo de justicia, servicio y amor. De esta manera el artista marcial se convierte en un punto de resistencia a la fantasía de la vida fácil, cómoda, vacía, hedonista y narcisista del entorno postmoderno. Simultáneamente el artista marcial, en este caso el karate-ka, en su “budo” se convierte con su disciplina y carácter en ejemplo precursor de la paz. La puesta en práctica del tradicionalismo en el karate moderno ayuda a romper con la percepción errada del artista marcial como elemento de guerra. El entrenamiento bajo los principios del karate desarrolla la paz y seguridad en la mente del estudiante porque controlan las suposiciones, miedos y prejuicios que generan la violencia contra otros. Esto se logra en parte a la dinámica de padre e hijo entre el maestro y consideración de los estudiantes como hermanos. Esta conducta reafirma la permanencia de la institución familiar y solidaridad fraternal entre los individuos. Por otro lado, el origen mismo de las disciplinas marciales como medio para llegar a la libertad, como ocurrió en Okinawa ante el dominio de la nación japonesa, muestran el interés de la disciplina por la paz y justicia. El mismo relato de la elección de un maestro versado en cultura japonesa, Gichin Funakoshi, como ejemplo del “budo” okinawense ante los japoneses en lugar del más fuerte del área, demuestra la búsqueda por “parar de pelear” del karate tradicional.

Fuentes:
1. Urban, P. Karate Dojo: Traditions and Tales of a Martial Art.
2. Lipovetsky, G. La era del vacío.
3. Morgan, F.E., Vivir a lo marcial: Manual del guerrero moderno.
4. Encyclopedia of Recreation and Leisure in America: Martial Arts. págs. 13 - 14.

Daud 7 - Catalina de Alejandria y el cuerpo del martir en Caravaggio

La historia de Santa Catalina de Alejandría no comprende de origen bíblico sino que forma parte del folclore cristiano iniciado en el medioevo. Su leyenda fue construida por medio de anécdotas.. orales provenientes de la época de la persecución cristiana embellecidas a través de la poesía. Por esta razón, a pesar de la larga tradición de culto, la Iglesia Católica le remueve de su santoral en el año 1969. Sin embargo, la magistral producción alrededor de su leyenda por diferentes artistas evitan el que su imagen quede en el olvido. Catalina de Alejandría ahora media, no con lo divino, sino con el tiempo y el espacio para permitirnos conocer las concepciones del cuerpo, la belleza y espiritualidad del pasado occidental. La Iglesia católica en el siglo XVII se encontraba ante el difícil panorama del avance del protestantismo en varias naciones europeas. Inevitablemente estas revueltas de carácter religioso trajeron consigo confrontaciones y luchas sangrientas. En respuesta ante esta situación la Iglesia establece un movimiento de Contrarreforma..con el cual reafirma sus doctrinas y corrige querellas existentes desde el medioevo. Este movimiento de re-afirmación de la Iglesia Católica vino acompañada por el auspicio eclesiástico de la producción artística[1]. El fin principal de estos auspicios era expresar la grandeza de la Iglesia como sede del Dios único en la tierra. Además, de..exhortar a las naciones cristianas y su feligresía a no dejar sucumbir la Iglesia ante los perseguidores. De esta manera, la Iglesia utiliza la imagen medieval del mártir para definir su situación ante la matanza de fieles y destrucción de edificios de la Iglesia[2] por parte de los protestantes[3]. Por ello, se impulsa una campaña que promueva la imagen militante del mártir pero sin la complejidad alegórica y ambivalente de las consideraciones renacentistas. La creación de narraciones hagiográficas y excavaciones arqueológicas para encontrar reliquias de mártires sirvieron para revivir la fe[4]. El milagro tenía que estar accesible al pueblo y sobrecogerlo emocionalmente a través de una representación impresionante como el martirio[5]. La Iglesia generó un proyecto de educación masiva que influenció significativamente el arte de este período y por ende a Caravaggio[6]. Siendo una persona siempre atraída hacía el bullicio de la vida y su enfoque..realista Caravaggio sorprendió con una espiritualidad diferente[7]. La visión de su espiritualidad se sirvió del pobre y humilde para constituir el cuerpo humano divino. Al igual que el reconocido santo de la época, San Felipe Neri[8], renunció al idealismo; y de una manera sencilla se acercó con familiaridad a predicar al pueblo. Por ese motivo ambos fueron incomprendidos porque la Iglesia "deseaba crear para la propaganda de la fe católica un "arte popular", pero limitando su carácter popular a la sencillez de las ideas y de las formas; desea evitar la directa plebeyez de la expresión.[9]"


En la representación de Santa Catalina de Alejandría por Caravaggio (1596) ella se nos presenta cubriendo completamente el primer plano[10] arrodillada sobre un cojín rojo de hermosos patrones. Esta posición recuerda a las versiones de artistas anteriores como Fernando Gallego (El martirio de Santa Catalina; 1466 - 1507) o Lucas Cranach (El martirio de Santa Catalina de Alejandría; 1506) cuyas obras se concentra en el aspecto fenoménico de la narración. Aparentemente Caravaggio busca establecernos en ese momento en que ocurre la victimización de la figura heroica para mostrarnos el drama síquico inherente en ese momento. El llamativo y elaborado cojín rojo podría figurar la sangre derramada en martirio sobre la cual descansa la rama símbolo de la atormentadora muerte por su fe. De esta manera, llegamos a la punta ensangrentada del filo de la espada que ha sido el objeto con el que ha culminado su vida. En este punto se fraguan en una implícita lucha de manera formal por medio de las lineas diagonales que dibujan la espada y la palma. Aspecto que nos hace recordar el mal necesario que fue la muerte de Jesucristo para alcanzar la limpieza de nuestra sangre con la esperanza del rescate. Esta consideración explicaría porque Catalina de Alejandría sostiene cercano a su pecho delicadamente la espada ensangrentada. Así en un lenguaje pictórico Caravaggio expresa la gratificación y conexión espiritual que se obtiene al ser perseguido y morir fiel de igual forma que Cristo. La convicción de su derrotero la ofrece la posición de sus dedos que nos obliga nuevamente a recorrer el filo y revivir la teatralidad del héroe victimizado. Además su convicción también queda evidenciada en su rostro despreocupado y ennoblecido por la mística luz que desciende sobre ella. Ese aspecto de la luz[11] refuerza el dramatismo violento de la narrativa sacra que se intenta plasmar eternamente en la conciencia religiosa tras la experiencia de mirarla[12]. Pero, su mirar no esta absuelto en la recompensa divina, que ya se reconoce por el símbolo de la aureola en su cabeza, sino que humanamente mira con extrañeza la rueda con púas que le amenaza[13]. La cual se ha roto sin hacerle daño al ella leve y voluntariamente reclinarse sobre ella. Sin embargo, la peligrosidad de esta rueda no pasa desapercibida porque un punzón metálico traspasa parte de sus vestiduras. A modo de recalcar que el cuerpo fue mutilado y torturado a pesar del ennoblecimiento de su figura al convertirse en paradigma religioso o narración poética...

Citas:

[1] "La Iglesia conoce demasiado bien el peligro que amenaza desde el espíritu subjetivista de la Reforma, y desea que las obras de arte expresen el sentimiento de la fe ortodoxa de manera tan inequívoca y tan libre de toda caprichosa interpretación." - .. Hauser, A., Historia social de la literatura y el arte: manierismo, barroco, rococco, clasicismo, romanticismo. Tomo II pág. 110.

[2] "Counter-Reformist writers claimed that the Catholic Church was a victim [of the violence by heretical Protestants] the same fate as was suffered by the early Christian martyrs." .. Olson, T.P. Pitiful Relics: Caravaggio's" Martyrdom of St. Matthew". Representations, No. 77. 2002. pp. 128.

[3] "Devotion to historical martyrs was also directly inflected by a spate of contemporary killings. The militancy of the Counter-Reformation Church produced a generation of devotees who willingly sought to imitate the early martyrs. [..] ambitious painting programs and prints linked the Roman Empire's persecution of the Christians with contemporary violence inflicted by Protestans." .. Olson, T.P. Pitiful Relics: Caravaggio's" Martyrdom of St. Matthew". Representations, No. 77. 2002. pp. 123, 124.

[4] "Only three years before Caravaggio painted St. Matthew, a procession through Rome celebrated the transfer of the recently excavated physical remains of three early Christian martyrs to a church dedicated to their devotion." .. Olson, T.P. Pitiful Relics: Caravaggio's" Martyrdom of St. Matthew". Representations, No. 77. 2002. pp. 107 .. 142.

[5] "El Manierismo frío, complicado e intelectualista cede el paso a un estilo sensual, sentimental, accesible a la comprensión de todos: el Barroco." .. Hauser, A., Historia social de la literatura y el arte: manierismo, barroco, rococco, clasicismo, romanticismo. Tomo II pág. 109.

[6] "[..] la subjetivización de la visión artística del mundo, la transformación de la "imagen táctil" en "imagen visual", del ser en parecer, la concepción del mundo como impresión y experiencia, la comprensión del aspecto subjetivo como lo primario, y la acentuación del carácter transitorio que lleva en sí toda impresión óptica, se completan ciertamente en el Barroco." .. Hauser, A., Historia social de la literatura y el arte: manierismo, barroco, rococco, clasicismo, romanticismo. Tomo II pág. 100.

[7] "[..] Caravaggio es precisamente el bohemio enemigo de la cultura, que está alejado de toda especulación y de toda teoría." .. Hauser, A., Historia social de la literatura y el arte: manierismo, barroco, rococco, clasicismo, romanticismo. Tomo II pág. 109.

[8] "Hay ciertamente un fuerte paralelismo entre el tratamiento directo, a veces incluso crudo, de los asuntos religiosos que hace San Felipe Neri y la vulgaridad de la exhibición provocadora de hace Caravaggio." .. Friedlaender, W. Estudios sobre Caravaggio. Madrid. Alianza Editorial. 1982. .. pág: 13.

[9] Hauser, A., Historia social de la literatura y el arte: manierismo, barroco, rococco, clasicismo, romanticismo. Tomo II pág. 111.

[10] "[..] el empleo de primeros planos demasiado grandes, de figuras que se acercan al expectador. [..] el espectador siente, a consecuencia de la elección tan cercana del punto de vista, que la espacialidad es una forma de existencia dependiente de él y por él creada." .. Hauser, A., Historia social de la literatura y el arte: manierismo, barroco, rococco, clasicismo, romanticismo. Tomo II pág. 101.

[11] "La luz es el agente de transmisión más poderoso del "realismo mágico" de Caravaggio. [..] cuando se da a la luz un impacto psíquico y dramático, entonces se conduce inevitablemente al espectador a buscar su procedencia. De hecho, el efecto de la luz puede estar de tal modo realzado o exagerado que los objetos sobre los que cae parezcan trascender la experiencia natural, estar dotados de un contenido milagroso." .. Friedlaender, W. Estudios sobre Caravaggio. Madrid. Alianza Editorial. 1982. .. pág: 38.

[12] "La intención artística del Barroco es, en otras palabras, "cinematográfica"; los suceso representados parecen haber sido acechados y espiados[..]".. Hauser, A., Historia social de la literatura y el arte: manierismo, barroco, rococco, clasicismo, romanticismo. Tomo II pág. 100.

[13] "En realidad demuestra una comprensión sorprendentemente sensible de lo que acontece por debajo de la superficie; sabe sacar a la luz con discreción y ternura las relaciones semiocultas que unen a sus figuras, casi sin auxilio de movimiento o emoción visibles." .. Friedlaender, W. Estudios sobre Caravaggio. Madrid. Alianza Editorial. 1982. .. pág: 37.

Daud 5 : 2 - Esquela

Daud 5 : 2 - Esquela

Rasgado en el interior de un alto armario de olorosa caoba.
Escrito con la torpeza resultado de un cuerpo enclaustrado.
Pueden leerse las últimas líneas melancólicas de un romántico.
"A la memoria de aquellas cálidas noches de épicos relatos."
Enclavijado sobre las letras cuelga un colorido afiche gastado.
Ignorado tras la penumbra de arcaicos mecanismos metálicos.
"El horror del fin fue menor que el recuerdo de nunca haberte besado".

Daud 6 - El Prometeico Legado de Tamayo

En la recepción de la biblioteca más importante de la Universidad de Puerto Rico se encuentra la obra Prometeo Encadenado de Rufino Tamayo. Una pintura de gran escala y profundo mensaje que irónicamente pasa desapercibida al visitante. La obra relata entre tonalidades oscuras y lánguidas luces el momento en que el titán Prometeo entregó el fuego a los seres humanos. Acto de misericordia y amor que simbólicamente representa la adquisición del don de la razón a los mortales. Rufino Tamayo estructura su obra en un oscuro y mustio paisaje grisáceo de cúbicas montañas y un cielo rojizo. Por este cielo rojizo sale en descenso una figura humanoide compuesta de medios círculos. En una de sus manos sostiene el cielo abierto como si se tratase de un gran telón. Mientras extiende la otra hacía la tierra para ofrecer unos pedazos de círculos color anaranjado. Estos pedazos de círculos anaranjados son el punto más dramático y visualmente discernible debido a sus tonalidades brillantes. De entre medio de las montañas emergen curvilíneos cinco figuras humanoides en cuerpos de volúmenes hundidos. Estás extienden juntos sus manos para recibir los fragmentos. Las manos extendidas de estos seres unidos podrían leerse como un camino o vía. Lo que me hace notar que a diferencia del ser que desciende del cielo ninguno tiene rostro. A su lado, de color negro, plano y seco se intenta elevar un árbol de cuatro ramas parecido a un tridente.

En el contexto de la biblioteca esta obra cobra una fuerte fuerza metafórica para aquel que busca conocimiento. Porque es entre la producción intelectual donde realmente queda almacenado el legado del titán. El Prometeo de Rufino Tamayo agarra el cielo como un telón y nos muestra la fulgurante luz de la realidad. Esta luz es recibida ansiosamente por aquellos que por egoísmo de los poderosos o ceguera yacen en penumbras. La aceptan como una alternativa para depurar su espíritu y dar fruto a la tierra seca e infructífera de su ser. Es esa misma semilla iluminada de la razón la que llegará a definirles como especie y civilización. Indagando desde mi contexto contemporáneo, me hace pensar en como debe ser la razón el común denominador que rija y una nuestras vidas. Este pensamiento me lleva a considerar que Rufino Tamayo podría estar deteniéndonos por un momento a reflexionar en el marco social. El marco social que como teatro a veces vivimos sin cuestionarnos los verdaderos motivos y consecuencias que pasan tras bambalinas. Es un anuncio a que sigamos enfocando y ajustando nuestra visión para percibir la luz tras las oscuras apariencias. Lo cual permitirá seguir el avance de nuestra civilización a unas condiciones de mayor integridad y civismo.